Miglior arte del 2022

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Questo è stato un anno i cui momenti salienti includevano una Biennale del Whitney dall'atmosfera adulta, un'importante rassegna dell'arte contemporanea portoricana e una delle grandi-piccole mostre di tutti i tempi.

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Di Holland Cotter e Roberta Smith

Holland Cotter

Ancora in ripresa dal blocco del Covid, i musei d’arte nel 2022 hanno fatto del loro meglio per attirare il traffico. Ciò significava una stagione fortemente orientata, dal lato principale, verso una vecchia normalità: piatti familiari e a basso rischio. Allo stesso tempo, anche le nostre grandi istituzioni conservatrici hanno iniziato a rendersi conto della necessità di attrarre un pubblico nuovo e demograficamente diversificato se vogliono avere un futuro. E questo impulso sembra essere alla base di alcune delle sfilate più stimolanti dell'anno.

Questo spettacolo sorprendente ha dato un'idea di come appariva e si sentiva il mondo dell'arte New Normal quando colpì più di mezzo secolo fa. I primi anni Sessanta furono un momento cruciale nella cultura americana, tra la Guerra Fredda e la Guerra del Vietnam, i diritti civili e il potere nero, le vecchie repressioni e le fiorenti liberazioni. L'arte, passando dall'Ab-Ex al Pop, ha sentito le scosse di tutto questo, e percorrono il mix di arte e artefatto della mostra. Culturalmente, New York era arroccata sul bordo di qualcosa e protesa in avanti, una condizione in bilico, davvero un Nuovo Anormale, da cui possiamo imparare molto. (Leggi la nostra recensione di "New York: 1962-1964.")

Quando una capsula del tempo è uno scrigno del tesoro? Quando un album diventa un programma utopico? Quando un archivio d'arte realizza la propria forma d'arte? Quando ci arriva un'indagine storica come questa. La galleria chiamata Just Above Midtown ha debuttato a Manhattan nel 1974 ed è stato il primo spazio d'arte commerciale di proprietà di afroamericani a piantare una bandiera all'interno della comunità recintata che era (ed è tuttora) un mondo artistico bianco di New York. Sostenuto dal duro lavoro e dalle carte di credito esaurite, JAM ha introdotto una straordinaria gamma di nuovi talenti; quando chiuse nel 1986, aveva cambiato la struttura dell'arte americana e stabilito un modello tollerante al rischio e possibile per le iniziative sperimentali che sono seguite (fino al 18 febbraio). (Leggi la nostra recensione di "Appena sopra Midtown.")

Ritardata di un anno a causa della pandemia, questa Biennale particolarmente cupa e dall'atmosfera adulta è stata all'altezza del suo titolo sommesso. "Quiet as It's Kept" sembrava una conclusione meditativa ai tre anni di storia nazionale sconvolgente in cui è stato concepito, un periodo segnato da divisioni sociali, violenza razzista e mortalità implacabile. Dei due piani principali della mostra, uno era uno showroom spalancato con l'assortimento eterogeneo di oggetti tipico della maggior parte delle biennali. L'altra era un'estesa installazione oscura di video, fotografie e lavori audio di un tipo che non ricordo dalle biennali precedenti, una meditazione perfettamente atmosferica e sospesa nel tempo sulla storia nel presente. (Leggi la nostra recensione della biennale di quest'anno.)

Sebbene il nome dell'artista yoruba Moshood Olusomo Bamigboye sia ancora poco conosciuto al di fuori della Nigeria, la sua retrospettiva sulla sua carriera montuosa a Yale è stata uno dei momenti scultorei più importanti della stagione, e si trattava di un'indagine insolitamente completa, che comprendeva in circa 30 incisioni tutte le principali sculture conosciute. opera dell'artista, morto nel 1975. Il pezzo centrale è uno spettacolare insieme di maschere, tra le più grandi maschere in legno intagliato in un unico pezzo conosciute dall'Africa, irte di intere figure di villaggi e regni spirituali. Bamigboye ha dato a ciascuna di queste complesse sculture il titolo generico di "Atofojowo", che significa "puoi guardarla per un giorno intero". VERO. (Lo spettacolo è visibile fino all'8 gennaio.) (Leggi la nostra recensione di "Bamigboye: un maestro scultore della tradizione yoruba.")

Con il suo titolo di campana a vento, questa è stata la prima indagine newyorkese per Vicuña, un'artista nata in Cile nel 1948 e che ha vissuto a New York City, per lo più sotto il radar del mercato dell'arte, per quattro decenni. Sebbene sia conosciuta principalmente come poetessa, la mostra era ricca di dipinti, video e monumentali intrecci traforati ispirati ai tessuti indigeni andini, che riflettevano tutti la sua politica eco-attivista e pro-perdenti per tutta la sua carriera. Nella rotonda modernista del Guggenheim, gran parte del suo lavoro sembrava improvvisato e impermanente, esattamente adatto a un'artista che una volta disse: "Siamo fatti di scarti e saremo gettati via". (Leggi la nostra recensione di "Cecilia Vicuña: Spin Spin Triangulene.")